À medida que nos aprofundamos no mundo moderno, é importante refletir sobre a arte e a cultura de um povo que provém de uma América antes do nosso tempo. A história dos nativos americanos é um reflexo das lutas pessoais, éticas e sociais. Em homenagem ao Seneca Art and Culture Center, no local histórico de Ganondagan State, que já foi destruído em Victor, Nova York, aqui estão 13 artistas nativos americanos que você deve conhecer.
Arte do nativo americano do noroeste do Pacífico © Ed Bierman / Flickr
Nampeyo
Reconhecido pelos 20 anos de idade como um dos melhores oleiros Hopi, Nampeyo ('cobra que não morde') aperfeiçoou o ofício aprendido por sua avó, usando potes reciclados como material de base. Sua cerâmica finamente construída exibia um estilo, precisão e durabilidade que poucos conseguem recriar. Nampeyo é bem conhecido por desenhos que apresentam uma técnica conhecida como policromada, que é o uso de muitas cores vibrantes, como vermelhos, marrons, amarelos e pretos profundos, pintadas com uma folha de mandioca mastigada. Sua cerâmica tinha um motivo intrincado e natural, usando figuras geométricas combinadas com imagens de animais e rostos, depois imortalizadas usando uma técnica de queima que remonta ao século XV.
Ernie Pepion
A história pessoal de Ernie Pepion e seu triunfo sobre as adversidades são pelo menos tão magníficos quanto sua arte. Como membro da Tribo Blackfeet, Ernie Pepion passou a maior parte de sua vida como fazendeiro e cavaleiro de rodeio. Ele serviu várias missões de serviço no Vietnã, mas infelizmente em 1971 ele se envolveu em um grave acidente de carro, que o relegou a uma cadeira de rodas como um tetraplégico. Enquanto se recuperava em um hospital, ele foi ensinado a pintar por outro paciente, usando um cavalete motorizado e uma chave para a mão e o antebraço. Servindo de inspiração para superar desafios físicos, Ernie Pepion foi alvo de um documentário chamado Ernie Pepion: The Art of Healing.
Os índios © griannan / Flickr
Ma-Pe-Wi (Oriole)
Poucos sabem que o trabalho de Ma-Pe-Wi é visto quase todos os dias por muitos americanos em todo o país. Originalmente da tribo Zia Pueblo de Santa Fe, Novo México, Ma-Pe-Wi Velina Shije Herrera não recebeu treinamento formal em arte, mas conseguiu se tornar um dos pintores mais prolíficos do século XX. Seus desenhos abstratos geralmente capturam representações da vida cotidiana de Pueblo e danças cerimoniais. Ma-Pe-Wi também é conhecido por seu uso da leachina, que é um espírito das coisas do mundo real, profundamente enraizado na cultura Pueblo. Embora inicialmente criticado por sua própria tribo, Wi deu permissão ao estado do Novo México para usar sua recriação do sol Zia, que agora adorna a bandeira do estado.
Parr
Embora na superfície suas impressões possam parecer bastante simplistas, os desenhos de Parr não apenas expressam a própria essência da cultura inuit canadense, mas também são uma transformação de sua própria vida em arte. Parr viveu nomadicamente a maior parte de sua vida, e seu trabalho reflete o equilíbrio de movimentos entre o homem e a natureza. Esses desenhos distintos destacam cenas que simbolizam a manutenção da vida através da caça, pesca e homem contra os elementos. O trabalho de Parr também tem uma qualidade espiritual refletida no uso de antigos assuntos xamânicos. Seu trabalho, Hunters of Old, acabou sendo imortalizado em um selo canadense de 1977.
Lucy M. Lewis
Muitas vezes descrito como o Pablo Picasso da cerâmica, Lucy M. Lewis começou a fazer cerâmica aos oito anos de idade em sua casa em Acoma, Novo México. Seu uso de linhas finas mostra um equilíbrio distinto de habilidade, precisão e simetria. Apesar de sua proficiência e talento artístico, Lewis não tinha educação formal e foi amplamente autodidata. Ela foi convidada para a Casa Branca em 1977 e mantém uma coleção permanente no Museu Smithsonian em Washington DC. Ao longo de sua vida e seu trabalho, Lewis recebeu vários prêmios distintos, incluindo o Prêmio do Governador do Novo México por sua contribuição pessoal extraordinária e o reconhecimento do American Crafts Associação de Arte do Conselho College.
Coleção de cerca de 25 peças de cerâmica indígena Pueblo da (?) Coleção do Reverendo Dr. George Cole, ca.1900 (CHS-2668) © Ashley Van Haeften / Flickr
Kananginak Pootoogook
Kananginak Pootoogook era um homem verdadeiramente entre os elementos da natureza. Apesar de ser um escultor e gravador de tinta do século XX, ele viveu a maior parte de sua vida adiantada, viajando de iglus no inverno para casas de grama no verão. Como artista autodidata, seu trabalho muitas vezes reconhece a transição da vida tradicional americana nativa para a existência moderna. O trabalho de Pootoogook também mostra uma clara unidade e apreço pelo elo entre o homem e a natureza. Suas gravuras refletem animais que imitam qualidades humanas e vice-versa, mostrando a igualdade de coexistência entre homem e animal. Entre muitas outras honrarias, uma exposição de seu trabalho foi exibida nos Jogos Olímpicos de Inverno de Vancouver em 2010.
Bob Haozous
O mais famoso é que Bob Haozous observa que "o homem não está separado da natureza, mas faz parte dela". O trabalho de Haozous apresenta um desafio à filosofia ocidental que ultrapassa o pensamento nativo. Embora tenha servido na marinha no USS Frank Knox no Vietnã, Bob Haozous nunca esqueceu suas origens Apache em sua luta contra o racismo e a marginalização do povo nativo americano. Por mais forte que tenha sido sua convicção, seu trabalho também reflete uma visão humorística das visões sociais e ambientais. As pinturas e esculturas de Bob Haozous podem ser vistas nacional e internacionalmente em lugares como o Memorial do Holocausto Apache no Dartmouth College e o Museu Estadual do Phalian Ocidental na Alemanha.
Arte do nativo americano do noroeste do Pacífico © Ed Bierman / Flickr
Smith de Juane Quick-to-Sea
A arte diferenciada de Juane Quick-to-Sea Smith é uma personificação de sua cultura nativa americana e da infância conturbada. Abandonada por sua mãe, Smith conecta seus desafios pessoais ao desafio de superar os mitos e estereótipos dos nativos americanos. Cada uma de suas misturas únicas de pintura, quadros e texto conta uma história individual de adversidade pessoal e a necessidade de quebrar o status quo. Seu trabalho é amplamente visto no Smithsonian em Washington DC, no Whitney Museum e no Museum of Modern Art. Entre as muitas honrarias de Smith, destacou-se o prêmio Lifetime Achievement Award do Women's Caucus for the Arts.
Calvin Hunt
Suas esculturas em madeira poderosas e impressionantes dão ao espectador uma perspectiva profunda da cultura Kwakwakawakw do noroeste do Pacífico do Canadá. Os totens, máscaras e roupas de dança de Calvin Hunt são esculpidos em cedro vermelho. Seu uso de tintas vivas de vermelho e azul dá vida a suas representações de animais e homens com um nível inconfundível de realismo e imagens poderosas. O trabalho de Calvin Hunt pretende mostrar ao mundo através de uma unificação simbólica de animal e lenda. Tão forte e franco é seu trabalho notável que ele possui sua própria galeria na Royal Academy of Arts, na Colúmbia Britânica.
Julia Jumbo
Considerado um dos melhores tecelões de tapeçaria navajo que já existiu, Julia Jumbo é bem conhecida por seus desenhos complexos, combinados com o mais alto nível de precisão. Jumbo é mais reconhecida pelo uso da fronteira 'margarida', derivada de um tecelão lendário chamado Daisy Taugelchee. Suas tapeçarias são elaboradas com o uso de linhas retas e padrões simétricos, cercados por impressionantes bordas sólidas em preto e branco. Ela usou seu talento para tecer como um meio de superar as lutas da infância, bem como um reflexo da ordem pessoal e social.
Arte do nativo americano © PublicDomainPictures / WikiCommons
Jane Ash Poitras
Ela certamente tem um fundo único, de fato. Jane Ash Poitras foi originalmente treinada para ser microbiologista, mas sentiu que seu verdadeiro chamado era como artista e pintora de meios mistos. Como parte do movimento Dada (vanguarda do início do século XX), Poitras buscou sua força para descrever as origens de sua descendência Cree (maior grupo de nativos americanos). Seu trabalho é mais conhecido por suas imagens prolíficas de símbolos sagrados nativos americanos, como a águia. No entanto, como cristã, seu trabalho também contém um forte elemento espiritual que é evidente em Jesus, Maria e José. A arte de Poitras é frequentemente vista como um desafio à assimilação forçada da cultura aborígine.
Faye HeavyShield
Com uma combinação de espiritualidade e feminismo, Faye HeavyShield se tornou um dos principais artistas de instalação deste século. Originalmente de Alberta, Canadá, ela é famosa por sua transformação na percepção da área e no espaço através do uso repetitivo de objetos. O simbolismo usado como caracterizações do poder das mulheres na cultura moderna a colocou na vanguarda do movimento feminista canadense. O uso da cor por Faye HeavyShield confere ao seu trabalho uma poderosa qualidade humanística, e seu espiritualismo se reflete em seu uso recorrente da cimeira (touca usada pelas freiras), como um tema da conexão das mulheres com Deus.
