De Sergei Eisenstein a Andrei Tarkovsky, a Rússia produziu algumas das obras cinematográficas mais inovadoras da era moderna e promoveu uma série de diretores visionários. Esses diretores costumavam trabalhar dentro das condições políticas repressivas por trás da 'Cortina de Ferro', tornando suas realizações cinematográficas ainda mais impressionantes.
Encouraçado Potemkin (1925)
Dirigido por Sergei Eisenstein, um dos diretores soviéticos mais prolíficos e pioneiros, o encouraçado Potemkin é frequentemente citado como o melhor filme russo já feito. Ele descreve um motim contra o regime czarista contra o Potemkin em 1905, o que levou a uma repressão brutal pelos soldados do czar. O filme é agora talvez mais famoso por sua sequência nos degraus de Odessa, na Ucrânia, nos quais civis são cruelmente massacrados por forças czaristas. A cena é comemorada pela experimentação inovadora e altamente influente de Eisenstein em 'montagem'. Uma peça dramática e poderosa de propaganda nacional, este filme marca a gênese da tradição cinematográfica da Rússia.
Tempestade sobre a Ásia (1928)
Storm Over Asia é a final e mais potente da silenciosa 'trilogia revolucionária' de Vsevolod Pudovkin, que também consistia em Mother e The End of St. Petersburg. Assim como Eisenstein, Pudovkin foi empregado para produzir propaganda para o regime soviético, no entanto, ele o fez concentrando-se na determinação individual e na resiliência, em vez da glorificação das massas. Uma lição de manipulação histórica, Storm Over Asia se preocupa com a ocupação britânica da Mongólia. Na realidade, isso nunca aconteceu e, ironicamente, foram os próprios russos que foram culpados dessa invasão. Uma relíquia fascinante da máquina de propaganda comunista Storm Over Asia oferece uma visão sombria da hipocrisia da era soviética.
Homem com uma câmera de filme (1929)
O homem por trás do nascimento do documentário, Dziga Vertov, foi uma figura pioneira no cinéma vérité. Na falta de personagens e de um enredo, O Homem com uma Câmera de Filme é um dia pungente no estudo da vida na Rússia dos anos 20. Parte de uma série de filmes pertencentes ao polêmico movimento Kinok, Vertov havia declarado anteriormente sua missão abolir todas as formas de filmagem em estilo não documental. Negando filmes que foram investidos em teatralidade e literatura, o filme foi um marcador de radical 'experimentação em comunicação cinematográfica'. Idealizando inúmeras técnicas, incluindo câmera lenta, quadros congelados, fotos de rastreamento e close-ups extremos, Vertov revelou o aparelho por trás da ilusão cinematográfica pela primeira vez.
Periferia (1933)
O primeiro filme sonoro da lista também é uma obra-prima sutil que inaugurou uma nova era do cinema. Ambientado em 1914, o filme gira em torno de um campo de prisioneiros de guerra alemão realizado em uma parte ambígua e remota da Rússia rural. Dirigido por Boris Barnet, era controverso por sua representação indiferente da revolução comunista e foi atacado por alguns críticos soviéticos. Felizmente, no entanto, a periferia foi suficientemente ambígua no sentido de que Barnet não foi censurado com tanta severidade. Ele continuou trabalhando na indústria cinematográfica russa por mais 25 anos antes de, infelizmente, tirar sua própria vida.
Os guindastes estão voando (1957)
Juntamente com a morte de Stalin, veio o fim do "culto à personalidade" em torno do ditador soviético. Restrições inquestionáveis à representação de certas figuras e eventos deram lugar a um regime de censura mais relaxado. Os filmes de guerra não precisavam mais celebrar Stalin e Lenin como figuras piedosas ou defender a glória da "Mãe Rússia" e a Revolução Comunista. A criatividade foi liberada e The Cranes are Flying emergiu de cara nova, olhos arregalados e sem carga, nesta nova era brilhante. O filme representou um novo olhar não adulterado sobre a crueldade da guerra e seus efeitos psicológicos sobre a identidade nacional, permitindo também que o público lamentasse abertamente os milhões de baixas de guerra pela primeira vez. O conto visionário de Mikhail Kalatozov é ainda mais notável por sua adoção pioneira de uma heroína feminina. Veronika (Tatyana Samojilova) foi prontamente adotada tanto pela Rússia quanto pela Europa; uma das principais razões pelas quais este é o único filme soviético a ganhar a prestigiada Palme d'Or.
Balada de um soldado (1959)
Embora em meio à turbulência e carnificina da Segunda Guerra Mundial, Ballad of a Soldier é principalmente uma história de amor. Dirigido por Grigori Chukhrai, é um exame da eterna sobrevivência do amor diante da violência e da crueldade. A história segue Pvt. Alyosha Skvortsov (Vladimir Ivashov), um soldado do Exército Vermelho que se apaixona pela camponesa Shura (Zhanna Prokhorenko) enquanto tenta chegar em casa pela frente. Ambos com apenas 19 anos e com pouca experiência de atuação, os dois protagonistas apresentam performances notáveis e se tornam o núcleo emocional do filme. Superando a barreira da Guerra Fria, o filme estreou nos EUA no San Francisco Film Festival de 1960 e surpreendentemente conquistou os principais prêmios do festival, que revelaram o triunfo da criatividade e da imaginação sobre a política partidária.
Solaris (1972)
A obra-prima seminal do diretor russo icônico Andrei Tarkovsky é um estudo da psicologia do luto e da persistência da memória. O filme é baseado no romance homônimo de Stanislaw Lem; que Tarvkovsky admirava por muitos anos. Segue as façanhas de um psicólogo que viaja para o espaço para avaliar o estado emocional da tripulação da estação espacial Solaris, mas fica assediado por seu próprio colapso emocional e psicológico. Lem ficou bastante insatisfeito com o desvio de seu romance e reclamou que não escreveu sobre os "problemas eróticos das pessoas no espaço". Tarkovsky deu seu próprio passo independente aos processos e, apesar de acreditar que seu filme era um fracasso artístico, o público e os críticos consideram a obra-prima descarada de Solarisan.
Venha e Veja (1985)
Provavelmente o filme de guerra mais horripilante já feito, Come and See faz Apocalypse Now parecer brincadeira de criança. Oito anos de produção e filmado consecutivamente por nove meses seguidos; O filme final de Elem Kimov é famoso por seu impressionante realismo e representação gráfica das atrocidades cometidas na Segunda Guerra Mundial na Bielorrússia. Usando uniformes reais e munição real; Kimov também contratou Ales Adamovich; um ator amador de 14 anos para assumir o papel principal. O efeito pretendido é que ele não seria capaz de "proteger-se psicologicamente com experiência, técnica e habilidade acumuladas de atuação". Como resultado, o terror na tela é muito real, tanto que não era incomum as ambulâncias serem chamadas para exames.
O Cuco (2002)
O cuco é uma pequena jóia do drama cômico sombrio, surpreendentemente, nos campos de batalha da Segunda Guerra Mundial. O coração leve é, sem dúvida, uma coisa difícil de alcançar quando se passa em meio ao cenário de guerra, mas o cuco consegue isso. A história segue um soldado soviético (Viktor Bychkov) e um soldado finlandês (Ville Haapasalo) que ficam presos na fazenda de uma mulher (Anni-Kristiina Juuso). Os três aprendem gradualmente a viver juntos, apesar da piada travessa do destino de que nenhum deles compartilha o mesmo idioma. Diferentemente da maioria dos filmes de guerra, a humor lúdica e a narrativa lírica do cuco tornam esse passeio otimista e sincero, enquanto ainda conseguem evocar pungência em algumas das cenas mais trágicas e emocionantes. Recebendo inúmeros prêmios nacionais em lançamento, o filme de Aleksandr Rogozhkin é talvez a melhor casa de arte da Rússia nos últimos anos.
