Seguindo os passos de pioneiros da arte cinética, como Wen-Ying Tsai, falecido em janeiro de 2013, artistas da Grande China, incluindo Taiwan e Hong Kong, estão experimentando cada vez mais novas mídias. Muitos jovens estão trabalhando com software e robótica para criar instalações cinéticas imersivas e interativas, que variam de performativas a participativas, e são exemplos surpreendentemente maravilhosos no cenário crescente da arte robótica.
Dimensão +
Dimension + é uma nova equipe criativa de artes de mídia fundada por dois artistas de Taiwan e Hong Kong, Escher Tsai e Keith Lam. O coletivo se concentra na fusão de arte e tecnologia. Seus projetos se concentram em incorporar novas mídias no espaço e novas artes de mídia na indústria, criando design interativo interdisciplinar e aprimorando a experiência do público com a interação. Baseado na era digital, o Dimension + tem como objetivo conectar a dicotomia entre o digital e o físico, transferindo o invisível e o digital para um elemento visível e tangível, o que é alcançado através da combinação de mídia analógica e digital.
O Dimension + ganhou muitos prêmios internacionais e exibiu em festivais, exposições e eventos internacionais, incluindo na Itália, Áustria, Japão, Pequim, Xangai, Guangzhou, Hong Kong e Taiwan.
Morphor do sinal: A orquestra é uma instalação interativa e performativa que transforma a comunicação em partitura musical e dá "vida" a sinais imateriais (ou intangíveis). O público é o artista e a comunicação é traduzida em audiovisuais. Um grupo de dançarinos com guarda-chuvas atua como um tipo de antena humana, traduzindo ou decodificando os sinais de comunicação, reagindo às informações que recebem e realizando sua resposta a elas.
A série de trabalhos intitulada Vertebra recentemente apresentada no Festival de Artes Digitais de Taipei em 2013 e no The Innovists, demonstra uma exposição de artes cinéticas e robóticas no K11 Mall em Hong Kong e no Museu de Arte Contemporânea de Taipei. Os trabalhos utilizam o papel como material principal e são reproduções de colunas vertebrais que apresentam estrutura e solidez animal, bem como maciez e flexibilidade das plantas, criando um protótipo híbrido da criatura 'perfeita'.
Eric Siu
Eric Siu é um artista de novas mídias de Hong Kong que trabalha com arte de dispositivos, arte interativa, cinética, instalação, vídeo e animação. Ele agora trabalha como diretor criativo da Great Works Tokyo, uma agência de publicidade, e é membro do conselho da Videotage de Hong Kong desde 2008. Em 2005, ele recebeu um BA em Creative Media pela City University de Hong Kong e passou a concluir um projeto de pesquisa e intercâmbio cultural de 12 meses nos Estados Unidos. Seus trabalhos em vídeo e multimídia foram exibidos em todo o mundo, inclusive em instituições e eventos seminais de arte em novas mídias, como ZKM Karlsruhe, MOCA Taipei, Transmediale, SIGGRAPH Asia, ISEA, Microwave, entre outros.
Seu trabalho mais popular, Touchy, recebeu elogios da crítica e primeiro prêmio na WRO 2013, 15ª Bienal Internacional de Arte de Mídia, Wroclaw, Polônia e foi apresentado no Discovery Channel e em outras publicações de mídia internacionais. Touchy é uma "câmera humana" - uma pessoa usando uma câmera - que tira uma fotografia quando é tocada por mais de 10 segundos. O dispositivo de capacete vestível tem as funções de uma câmera composta por um par de persianas automatizadas, uma câmera funcional e uma tela interativa. Touchy é na maioria das vezes cego atrás das persianas, e a obra de arte é de fato uma transformação de um humano em uma câmera. O artista chama esse trabalho de "experimento de interação social fenomenológica que se concentra na relação de dar e receber literalmente transformando um humano em uma câmera". Para o artista, este trabalho visa curar as ansiedades sociais da era digital, criando interações lúdicas. Na era tecnológica atual, houve uma desumanização do contato físico e a interação social ocorre cada vez mais virtualmente e digitalmente. Touchy aborda esses problemas, permitindo interações com estranhos, envolvendo contato físico e a combinação de humanos com um dispositivo de tecnologia social: uma câmera, que por sua vez é uma ferramenta para compartilhar memórias, momentos, emoções, beleza.
Xia Hang
Xia Hang (nascido em 1978, Shenyang, província de Liaoning, China) começou a pintar quando tinha 10 anos e se formou com um BFA na Academia de Belas Artes Lu Xun e um MFA no Departamento de Escultura da Academia Central de Belas Artes de Pequim (CAFA). Durante seu período na CAFA, Xia começou a fazer esculturas masculinas em forma de vírgula em aço inoxidável polido, que eram os precursores de suas atuais esculturas mecânicas de alienígenas.
Xia Hang criou uma série de esculturas alienígenas que, completas com mecanismos, movem-se, esticam e mudam de forma com a interação do público. O artista criou obras interativas que foram exibidas pela primeira vez em sua exposição de 2008 em Pequim, intitulada Please don't touch (com o 'toque' riscado), desafiando a regra de um museu e galeria que proíbe tocar obras de arte. Xia Hang achou que esse tipo de placa destacava ainda mais o espectador e a obra de arte, então ele decidiu fazer obras de arte que aproximassem os dois, transformando as esculturas em brinquedos.
Xia Hang também criou o LM1 (Legacy Machine No. 1) em colaboração com a MB&F. A obra é um relógio que mantém todas as características atraentes do LM1 original inspirado em relógios de bolso do século XIX. A versão Xia Hang apresenta um novo recurso, na forma de uma escultura em miniatura de aço inoxidável de um homem que indica a reserva de energia do relógio. 'Senhor. Up ', a escultura sentada ereta quando o movimento é totalmente enrolado, lentamente se transforma em' Mr. Down ', uma figura desleixada, quando o poder diminui.
Wu Xiaofei
Wu Xiaofei (Dyson) se formou em Belas Artes para Design pela Batley School of Art and Design, Dewsbury College, Reino Unido. Atualmente, Wu está baseado em Chengdu e está aprendendo a arte tradicional de cortar papel e trabalhar em um projeto cinético. Crescendo como um jovem introvertido, Wu tinha uma paixão por desmontar as coisas e reconstruí-las do zero. Descobrir um defeito e encontrar a solução foi o que o aproximou do desenvolvimento de seus próprios trabalhos mecânicos. Wu se concentra na criação de engenhocas e instalações cinéticas que exigem a interação do público e estimulam sua curiosidade.
A Máquina de Escrever Musical é um exemplo de suas instalações interativas, convidando jovens e adultos a brincar com ela. Normalmente, o uso de uma máquina de escrever é uma atividade direta de escrita que permite ao usuário saber qual é o resultado de pressionar as teclas. Na instalação de Wu, as chaves estão conectadas a uma série de linhas de pesca ligadas a pequenos martelos. Quando as teclas são pressionadas, os martelos atingem uma variedade de objetos, como potes vazios de molho de macarrão, latas, garrafas, papel alumínio, produzindo sons diferentes. As conexões são desconhecidas para o público, o que resulta em uma explosão sonora imprevisível. Atualmente, Wu está tentando obter financiamento ou patrocínio da Ikea, para melhorar o projeto e aprimorar seu histórico.
Samson Young
Samson Young (nascido em 1979) é compositor, sonoro e artista de novas mídias de Hong Kong, com um currículo quase intimidadoramente impressionante. Ele é bacharel em Música, Filosofia e Estudos de Gênero pela Universidade de Sydney em 2002 e possui mestrado em Composição Musical pela Universidade de Hong Kong em 2007. É PhD em Composição Musical pela Universidade de Princeton (EUA) e é assistente. professor de arte intermediária crítica na School of Creative Media, City University de Hong Kong. Seus mentores incluem Chan Hing-Yan e Paul Lansky. Young exibiu e se apresentou internacionalmente, incluindo o Festival Internacional de Música Nova de Sydney Springs (Austrália 2001), o Festival Internacional de Música de Canberra (Austrália 2008), o ISCM World Music Days (Austrália 2010), o Festival de Música e Arte MONA FOMA (2011), o Microondas Festival Internacional de Novas Mídias (HK 2004), entre muitos outros. Em 2007, ele foi o primeiro artista de Hong Kong a ganhar o Bloomberg Emerging Artist Award com seu projeto audiovisual The Happiest Hour.
Apesar dessa chamada de sucesso in extremis, Young também é reflexivo e atencioso, traços que aparecem em suas obras. His Machines for Making Nothing (2011-2014) é uma coleção de pequenos objetos eletrônicos que, além de serem usados para brincar, não têm função ou significado. Sua existência prova como a interatividade pode ser sedutora ou até viciante, e a obra de arte explora 'os prazeres estéticos da interação homem-máquina' em seu nível mais básico. A Sonata para piano de Beethoven nº 1 - 14 (Senza Misura) consiste em 47 circuitos de tábua de pão de estilo aberto, que funcionam como metrônomos eletrônicos. Cada um desses pequenos dispositivos marca e pisca, marcando o andamento de um dos movimentos da sonata.
Annie Wan
Annie Wan é uma artista de novas mídias de Hong Kong. Ela se formou em Mídia Criativa pela City University de Hong Kong em 2002 e possui mestrado em Tecnologia da Informação Aplicada (Arte e Tecnologia) pela Chalmers University of Technology, Suécia, em 2005. Em 2012, ela recebeu um PhD em Artes Digitais e Mídia Experimental da Universidade de Washington, EUA. Atualmente é professora assistente na Escola de Comunicação (Academia de Cinema) da Universidade Batista de Hong Kong. Wan expôs internacionalmente em festivais, eventos e exposições, incluindo a Multimedia Art Asia Pacific Conference 2004 (Cingapura), ZeroOne / ISEA 2006 (San Jose, Estados Unidos), o Pavilhão Francês na 10ª Bienal de Arquitetura de Veneza. Em 2009, ganhou o prêmio Finalista no Asia Digital Art Awards 2009, Fukuoka, Japão.
Os trabalhos de Annie Wan concentram-se principalmente em mídias locativas, eletrônicos incorporados e sistemas baseados em rede. Onde está o frango? (2008-2009) é uma obra de arte pública sobre robótica locativa, apoiada pelo Conselho de Desenvolvimento de Artes de Hong Kong. O trabalho funciona como uma performance narrativa, construída com a interação do robô, sua localização culturalmente específica e o público participante. Incorporando interação pública, narrativa colaborativa, sistema de autômatos e tecnologia móvel, o trabalho é um autômato mecânico de forma de vida que não apenas simula a realidade, mas permite que o público se envolva com ela e altere, transforme e transforme a percepção dessa realidade. Ao interagir com a instalação, o público colabora no seu desenvolvimento e na continuação da narrativa em torno da performance. O público também ajuda na compilação de um 'mapa das galinhas da cidade', compartilhando suas experiências com o artista.
Shyu Ruey-Shiann
Shyu Ruey-Shiann (n. 1966, Taipei) está atualmente sediada entre Taipei e Nova York. Ele já expôs internacionalmente, como o Museu Nacional de Belas Artes de Taiwan e o Museu de Arte Contemporânea de Taipei, o Museu de Arte de Chelsea em Nova York, o Centro de Artes de Hong Kong e o Instituto de Artes Contemporâneas de Perth na Austrália, entre outros.
Shyu é conhecido por criar esculturas mecânicas e cinéticas lançadas em 1997, que usam a forma mecânica como uma linguagem abstrata que transmite suas idéias e sentimentos em relação à vida, memórias e questões relacionadas ao meio ambiente, política e sociedade. Suas obras mecanicamente complexas compreendem até milhares de componentes projetados e fabricados pelo próprio artista, mas mantêm uma aparência simples e dão uma impressão de simplicidade.
One Kind of Behavior é seu trabalho mais recente, uma instalação pública ao ar livre agora em exibição no Museu de Arte do Bronx em Nova York até 17 de agosto de 2014. A instalação compreende dezenas de baldes de aço do mesmo tamanho, espalhados no chão do terraço e ondulados ao seu próprio ritmo individual. O trabalho é inspirado no movimento quase mecânico dos caranguejos eremitas, cujos movimentos lentos contrastam com a velocidade com que a sociedade contemporânea está se movendo. O caranguejo eremita também usa conchas descartadas por outras espécies e Shyu vê isso como uma metáfora para a nossa condição humana. O artista nos pede para refletir sobre o meio ambiente e as consequências das ações humanas sobre a natureza.
Akibo Lee
Akibo Lee (Li Ming-dao) é um artista de Taiwan que se envolve com arte digital e robótica. Ele é conhecido por seu trabalho de design para a indústria da música pop em Taiwan. Ele já expôs extensivamente em todo o mundo, inclusive em Hong Kong, China, Taiwan, Cingapura, Japão e EUA. Lee se envolve com o trabalho interdisciplinar e tem criado robôs para um público diversificado, incluindo marcas comerciais, artes visuais, artes cênicas e arte pública.
Um de seus trabalhos mais conhecidos na esfera pública é o BIGPOW, uma instalação robótica composta por um grupo de três robôs, um grande e dois menores. Divertidos e bonitos na aparência, os três robôs escondem um componente interativo por trás de seus projetos aparentemente estáticos. Os robôs são equipamentos hi-fi metamorfoseados e o público pode conectar seus dispositivos MP3 e compartilhar suas músicas publicamente.
Expressando seu amor pela música eletrônica, Lee também criou dois robôs dançarinos, Ding e Lulubo. Ding é uma criatura parecida com um polvo com oito pernas e Lulubo é uma robô feminina, com uma forma bonita. Os dois robôs 'se apresentaram' em salões de dança e teatro, no Hip Hop e nas batidas eletrônicas, além de 'colaborarem' com grupos de dança.
Por CA Xuan Mai Ardia
