Caso você não tenha notado, Los Angeles está repleta de espaços para exposições. O LACMA abriga 100.000 obras de arte, cimentando-o como o maior museu do oeste dos Estados Unidos. O museu foi inaugurado em 1965 e concentra-se na expansão da história da arte e do mundo. Onde começar? Apresentamos dez obras imperdíveis no LACMA.
Mulher chorando com lenço (1937) por Pablo Picasso
Picasso pintou isso em 1937 na Espanha depois de concluir sua famosa obra Guernica, que protestava contra a Guerra Civil Espanhola. Depois disso, Picasso mudou seu estilo de pintura para o surrealismo, mas continuou a pintar a mulher que chorava com frequência. A mulher capturada não representa apenas seu tumulto pessoal, com muitos acreditando que seja um retrato de sua amante e amante Dora Maar, mas também representa uma vítima da guerra - esposa e mãe deixadas em agonia pela destruição. A pintura é incrivelmente poderosa, além de instigante. O museu tem uma grande variedade de obras de Picasso em exibição em vários períodos diferentes, para que você possa explorar a coleção deste grande artista.
Foto de Daren DeFrank
Shiva como o Senhor da Dança (c. 950–1000) de Tamil Nadu
Shiva, o Destruidor e Restaurador, é um dos três deuses hindus. Os outros incluem Brahma, o Criador, e Vishnu, o Preservador. Shiva é amplamente popular e adorado em todo o sul da Índia. Shiva também é conhecido como o deus patrono da ioga e da dança cósmica que criou o universo em ciclos rítmicos contínuos. Nesta representação, Shiva dança em torno de uma chama que sobe de um pedestal de lótus, considerado por muitos como um símbolo da criação. A escultura tornou-se simbólica da civilização indiana. O trabalho captura a graça de Shiva e a unidade divina. A escultura pode ser encontrada no quarto andar do Ahmanson Building e, ao vê-la de perto, é fácil ver o poderoso significado que essa escultura teve na cultura indiana, e também por que a peça é comemorada em todo o mundo.
Foto de Daren DeFrank
Lutadores (1899) por Thomas Eakins
É fácil encontrar essa pintura na galeria, porque simplesmente exige sua atenção. De repente, você fica tão cativado pela imagem gritante que é difícil desviar o olhar. Eakins é considerado um dos grandes pintores americanos realistas do século XIX, e é fácil entender por que. A pintura parece estar acontecendo na sua frente com dois lutadores entrelaçados no meio de uma luta. O objetivo em muitas de suas obras era capturar o 'heroísmo da vida moderna', e ele costumava passar horas criando esses momentos. Ele costumava ter dois atletas lutando por ele e depois descobrir qual posição ele achava mais estilisticamente interessante. Esta pintura também é sua última finalização sobre o tema da forma humana e foi concluída no final de sua carreira. Pensa-se que seja representativo de suas próprias frustrações com a vida. A pintura é certamente inspiradora. Quem diria que lutar com os demônios pode ser tão bonito?
Foto de Daren DeFrank
Três Quintains (1964) por Alexander Calder
Esta escultura é exclusiva não apenas para os elementos de design no trabalho dos Três Quintains de Alexander Calder, mas também porque a peça foi criada para o museu. Antes da abertura do museu, um comitê foi formado para adquirir uma escultura de fonte para o local. O museu ofereceu a comissão a Calder, que concordou em junho de 1964. Laurelle Burton, que era presidente do Conselho do Museu de Arte na época, disse: 'Ter um homem com a proeminência de Alexander Calder seja o primeiro a projetar uma escultura especificamente. pois o novo museu estabeleceria os padrões para esforços futuros, por parte de artistas e doadores. A fonte é composta de formas geométricas simples, características do estilo de Calder, flutuando no ar e impulsionadas por jatos de água. A peça é uma das poucas esculturas de fontes que Calder já criou. O trabalho está em exibição permanente no Roundtable Garden do diretor.
Dia da Flor (Dĩa de Flores) (1925) por Diego Rivera
Diego Rivera certamente não precisa de apresentações. Suas pinturas, em uma variedade de mídias, incluindo aquarela e óleo, são mundialmente conhecidas. Esta pintura é um trabalho imperdível! O ponto focal da pintura é o vendedor de lírios. As flores são vistas de cima, o que é uma perspectiva única. Também a composição da peça é interessante, porque as figuras são em estilo de bloco, uma técnica que Rivera aperfeiçoou em sua pintura cubista no início de sua carreira. Depois de conquistar o primeiro lugar na Primeira Exposição Pan-Americana de Pinturas a Óleo, em 1925, foi obtido pela instituição-mãe da LACMA, o Museu de História, Ciência e Arte de Los Angeles.
Dia da flor de Diego Rivera © Joaquin Martinez / Flickr
Azulejo com rolagem Floral Arabesque (século XV), Grande Irã
Parte da exposição do LACMA, Islamic Art Now - Parte 2, esta peça de cerâmica remonta ao século XV. A exposição como um todo concentra-se na mistura entre arte passada e presente em uma variedade de mídias e temas. Este bloco pertence à regra Timurid no Irã e na Ásia Central. Os edifícios patrocinados pelos Timurids geralmente adornavam com azulejos decorativos como este. Peças do ladrilho foram cortadas a partir de diferentes conjuntos de ladrilhos, com uma variedade de cores diferentes, para criar um mosaico que se juntaria a outros na criação de um design complexo no exterior das estruturas. O mais impressionante nesta peça é que, apesar da idade e do desgaste do azulejo, as cores da época ainda permanecem vivas.
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- Azulejo © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n'est pas une pipe) (1929) por René Magritte
Esta pintura não é apenas considerada uma das obras surrealistas de René Magritte, mas também é altamente reconhecida como um ícone da arte moderna. O surrealismo foi um estilo de arte que influenciou fortemente a psicologia freudiana. Simbolizava uma reação contra o "racionalismo", que muitos acreditavam ter contribuído para a Primeira Guerra Mundial. Suas pinturas de imagens de palavras são seus exemplos da impossibilidade de combinar palavras com imagens e objetos. Magritte havia trabalhado em publicidade, além de ser artista, e a pintura a princípio parece simplista - quase vendendo o cachimbo retratado na peça. No entanto, sob as palavras lidas 'isso não é um cachimbo', o que é inicialmente confuso. O elemento complexo é que a pintura de um tubo não é realmente um tubo em si, mas apenas uma representação de um tubo. Seu uso do texto em suas pinturas iria influenciar uma geração de artistas orientados a conceitos, incluindo: Jasper Johns, Roy Lichtenstein e Andy Warhol.
Foto de Daren DeFrank
Ainda vida com cerejas e pêssegos (1885-1887) por Paul Cézanne
Paul Cézanne é conhecido como um dos lendários pintores pós-impressionistas do século XIX. Suas pinturas incluem uma variedade de assuntos, desde paisagens a retratos e naturezas-mortas. Suas pinturas icônicas de diferentes configurações de mesa são imediatamente reconhecíveis dentro e fora do mundo da arte. Cézanne usou cores vivas e pinceladas para capturar a intensidade das imagens, o que é exemplificado nesta pintura. Os pontos de vista na pintura são variados. As cerejas são vistas de um ponto focal acima, enquanto os pêssegos, apesar da proximidade, parecem ser vistos mais em um ângulo lateral. O vidro e a folha acompanham o cenário da mesa e são realistas e ainda mais abstratos ao mesmo tempo, o que é típico do pós-impressionismo. Esta peça é um exemplo clássico do estilo cativante de Cézanne e uma pintura imperdível por si só.
Foto de Daren DeFrank
Cold Shoulder (1963) por Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein é um de um grupo de artistas que usaram imagens comerciais em seus trabalhos e as transformaram. Esses estilos ficaram conhecidos como Pop Art e entraram em voga na década de 1960. O uso de cores e linhas arrojadas cria imagens do tipo banda desenhada. O desenho preciso também fica na tela, propositalmente sem o uso de dimensão. Além disso, a justaposição do texto na peça que diz 'Olá' com a mulher virada para trás cria uma dinâmica interessante. Usando o estilo conhecido como pontos de Ben-Day (impressora), que é um processo mecanizado usado na produção de quadrinhos, Lichtenstein cria a pele da mulher com uma interpretação artesanal da técnica.
