Enquanto o Ocidente começou a reconhecer a habilidade artística que vem da África, muitos estereótipos coloniais criados pela humanidade continuam a enquadrar a África como histórica e exótica, o que é especialmente prejudicial para a mulher africana. Hoje, muitas artistas africanas que viveram e trabalharam na diáspora desafiam essas percepções fictícias e opressivas de seus vários países africanos e de seus corpos através de sua arte. Aqui estão cinco artistas da diáspora sobre as quais você definitivamente deveria conhecer.
Wangechi Mutu - Histologia das diferentes classes de tumores uterinos (2004) © Playing Future / Flickrcommons
Wangechi Mutu
Wangechi Mutu nasceu em Nairobi, Quênia, e passou sua carreira de graduação no País de Gales na Cooper Union, antes de imigrar para os Estados Unidos, onde obteve seu MFA em Yale. Hoje ela vive e trabalha em Nova York. Desde tenra idade, Mutu foi exposto a como o mundo ocidental simplificou demais o Quênia para ser uma parte sem nome da África maior, composta de Safari e "tribos" tradicionais. Ela aborda essa e outras questões pós-coloniais em seu trabalho, sendo suas fotomontagens mais conhecidas. Eles combinam tinta, acrílico e, às vezes, glitter e pérolas com imagens cortadas de revistas de viagens, pornografia, revistas de automóveis e anúncios para formar novas figuras humanas. As imagens finais, como as de Hierarquias Misguided Little Unforgivable (2005) e The Bride Who Married the Camel (2009), são brilhantes e intensas, bonitas, mas também enervantes. As imagens originais têm contextos individuais e evocam conotações distintas. Quando juntados a Mutu, porém, eles representam o legado colonial de como o Ocidente percebe o continente africano como 'primitivo', bem como sua objetificação hiperssexual do corpo feminino africano. A beleza e a estranheza atraem o espectador, enquanto os detalhes - mulheres compostas por cabeças de animais, diagramas do colo do útero, motocicletas e os torsos expostos de um modelo de playboy - desafiam e perturbam a imaginação ocidental que exotica e objetiva a cultura e o corpo africanos.
Pintura em mídia mista - Ghada Amer © See-ming Lee / Flickrcommons
Ghada Amer
Ghada Amer nasceu no Cairo e recebeu seu MFA em Pintura pela Villa Arson EPIAR em 1989. Embora Amer se descreva principalmente como pintora, seu trabalho se estende e combina vários meios. Mais notavelmente, ela usa bordados e jardinagem, trabalho que normalmente é classificado como doméstico e feminino e, muitas vezes, considerado passatempo ao invés de arte. Ao fundir o meio artístico aceito da pintura com essas "atividades femininas", juntamente com suas representações muitas vezes eróticas do corpo feminino, Amer desafia as noções de feminino versus masculino, de desejo e amor. Ela questiona as expectativas sociais da figura pura e solteira que se choca com a objetificação e sexualização do corpo feminino. Em obras como And the Beast (2004) e Knotty but Nice, ela questiona a relação de moralidade e condenação do corpo da mulher. Em And the Beast (2004), Amer descreve a figura auto-sacrificada de Bell e outras princesas da Disney se masturbando, usando acrílico e bordado em tela, o que exige a libertação de figuras anteriormente sustentadas por seu comportamento moral que se apaixona pelo amor de uma pessoa. homem - ausente de desejo sexual. Ela as torna mais humanas, dando às meninas modelos mais saudáveis.
Instalação de Ato Malinda © Iopensa / Wikicommons
Ato Malinda
Malinda é uma artista performática que cresceu na Holanda, nos Estados Unidos e no Quênia. Embora tenha crescido longe de seu país, muitas de suas performances funcionam dentro de um contexto queniano ou africano mais amplo. Muitas de suas peças abordam políticas pós-coloniais no país, como Mshoga Mpya (O Novo Gay em Kiswahili) (2014), que reage à ilegalização da homossexualidade no Quênia. Na performance, Malinda está dentro de um cubículo preto no qual apenas um espectador pode entrar de cada vez, onde conta as histórias coletadas do queer em Nairóbi. A intimidade preserva a privacidade das vozes anônimas, ao mesmo tempo em que possibilita a discussão daqueles que são frequentemente silenciados à força. Muitos dos outros trabalhos também se concentram na estranheza africana, como seu desempenho, Mourning a Living Man (2013), que é específico para sua casa de infância disfuncional, mas também fala sobre temas maiores de performatividade de gênero e abuso sexual através do uso de cores, idioma e atividades domésticas perversas. Em ambas as peças, ela destaca as vozes locais do feminismo e da comunidade LGBTQ, dando uma plataforma para essas histórias que são ofuscadas pelo feminismo branco do Ocidente. A maneira como o público é frequentemente forçado a interagir com o artista e o espaço da performance conectam fisicamente o público às experiências humanas que estão sendo representadas.
Sokari Douglas Camp © El Coleccionista de Instantes / Flickrcommons
Sokari Douglas Camp
Sokari Douglas Camp é um prolífico escultor nigeriano de Buguma que estudou na California College of Arts and Crafts em Oakland, na Central School of Art and Design e na Royal College of Art em Londres, onde atualmente reside. Suas esculturas frequentemente retratam Kalabari (a cidade de onde Douglas Camp vem) mascaradas, espíritos ou sacerdotisas. Feito de aço e outros materiais encontrados, como latas, cordas e penas, se conecta e representa suas raízes nessas figuras. Exibindo para uma audiência internacional, as esculturas de Douglas Camp trabalham para recontexualizar o papel sagrado das máscaras envolvidas nas máscaras, que muitas vezes são exibidas isoladas em museus. Seus trabalhos falam especificamente com a Nigéria e os Kalabari. Como mulher, ela nunca pode fazer o baile de máscaras, já que esse é estritamente o papel do homem na sociedade. Ao elaborar essas formas de atuação, Douglas Camp se envolve no baile em um nível que lhe é negado e a outras mulheres. Além disso, a soldagem é tipicamente a posição de um artesão masculino. Em um sentido duplo, ela desafia continuamente os limites de gênero impostos a ela pela tradição. Em uma escala nacional maior, Douglas Camp abordou o assassinato de Ken Saro-Wiwa pelo governo nigeriano. Ativista não violenta contra a Royal Dutch Shell Company e a falta de regulamentação ambiental do governo, Douglas Camp viu sua morte como uma desgraça nacional e optou por representá-la em seu trabalho Alagba in Limbo (1998), que mostra o baile de máscaras de Alagba. vergonhosamente carregado por dois homens cujos rostos expressam agonia.
Fotografia de Aïda Muluneh © Magnus Manske / Wikicommons
