O subcontinente indiano produziu inúmeros artistas de renome internacional, muitos dos quais estão buscando milhões em leilão em todo o mundo. Alguns dos artistas mais bem-sucedidos e inovadores da Índia são mulheres, e suas práticas variadas exploram uma ampla gama de temas, de identidade e memória a política, história e cultura contemporânea. Nós trazemos-lhe dez das artistas indianas contemporâneas mais famosas.
Shilpa Gupta
Examinando uma variedade de temas, da cultura do consumidor ao desejo, segurança, religião, nacionalismo e direitos humanos, as práticas interdisciplinares de Shilpa Gupta utilizam vídeo interativo, fotografia, instalação e arte performática, geralmente contando com a participação do público. Funcionando como um videogame interativo, sua série de projeções de vídeo intitulada Shadow (1, 2 e 3) incorpora as sombras simuladas dos espectadores, capturadas por uma câmera ao vivo. As sombras são projetadas na tela branca e interagem com outras sombras criadas por objetos, bonecas, casas, pássaros e outras figuras dançando, pulando e andando. Gupta faz parte de uma geração jovem de artistas indianos cujo trabalho responde às divisões sociais pós-coloniais do país. Ela freqüentemente desfoca, redesenha e apaga fronteiras geopolíticas, como em 100 Mapas desenhados à mão da Índia (2007-2008), compostos de mapas desenhados à mão por espectadores de memória, ou seu trabalho sem título que descreve uma polícia amarela sinalizador de fita, dizendo: "Não há borda aqui".
Bharti Kher
O bindi já feito - uma decoração tradicional da testa indiana - é central na prática de Bharti Kher e convida a significados ambivalentes, oscilando entre tradição e modernidade. Kher se esforça para criar arte que representa interpretações errôneas, equívocos, conflito, multiplicidade e contradição, explorando o drama humano e a vida contemporânea. O bindi aparece em suas pinturas e em suas instalações esculturais, desafiando o papel das mulheres em um país tradicional e referenciando seu significado espiritual tradicional do 'terceiro olho'. Seu recorde, The Skin Speaks a Language Not Own (2006), descreve um elefante morto ou moribundo em fibra de vidro coberto de bindis brilhantes. Seu trabalho ainda se envolve com contos alegóricos, criaturas fantásticas, bestas mágicas e monstros místicos, como visto em outras peças baseadas em animais, como os delitos. Ausência de uma causa atribuível (2007) é uma réplica em tamanho natural do coração de uma baleia azul, baseada na imaginação do artista, enfatiza a idéia romântica de um 'grande coração' e os mistérios que ligam o coração aos conceitos de amor, vida e morte.
Bharti Kher - Ausência de Causa Designável © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Com o papel como meio principal e um vocabulário mínimo rico em associações, Zarina Hashmi cria trabalhos abstratos que ressoam com suas experiências de vida de exílio e espoliação e o conceito de lar - seja pessoal, geográfico, nacional, espiritual ou familiar. Sua obra poética e contemplativa inclui xilogravuras, gravuras, desenhos e moldes feitos de polpa de papel. Suas linhas artesanais e caligráficas constituem um elemento unificador em suas composições. A linguagem é essencial para o artista. Letters from Home (2004) mostra uma série de impressões baseadas nas cartas de sua irmã Rani, que mora no Paquistão. Em uma entrevista em vídeo da Tate, Zarina conta como o recebimento dessas cartas a ajudou a preservar um senso de identidade. Urdu manuscrito é coberto com mapas e plantas de casas e lugares distantes, trazendo sombras de momentos significativos e impressões de lugares relevantes para a vida de sua família.
Nalini Malani
O conceito de fronteira transcendida está no centro da prática de Nalini Malani, que se baseia na literatura, mitologia, história e vida pessoal para criar arte com relevância entre as culturas. De desenhos a pinturas, animação projetada, jogo de sombras, vídeo e filme, o artista justapõe a tradição a elementos modernistas para tratar de questões prementes da sociedade contemporânea. Sua família foi afetada pela Partição de 1947 - um tema muito apreciado por Malani, como visto em Remembering Toba Tek Singh (1998), um vídeo inspirado no conto de Sadat Hasan Manto, com o mesmo título. Malani usa o simbolismo da morte de Bishen Singh - um paciente mental que, recusando-se a se mudar para a Índia durante a Partição, morre na terra de ninguém entre as duas fronteiras. Malani, então, está explorando os efeitos da Partition na vida das pessoas e ela estende essa exploração aos efeitos dos testes nucleares em Pokhran, Rajastão. O interesse de Malani em Cassandra está na crença de que cada um de nós tem idéias e instintos. Sua exposição de 2014, intitulada Presente de Cassandra na Galeria de Arte Vadehra, focou na possibilidade de a humanidade prever os eventos do futuro e realmente 'escutar' o que está acontecendo ao seu redor.
Rina Banerjee
O amor pela substância, pelo tecido e pela textura, juntamente com a experiência de viver em comunidades de locais culturais / raciais misturados, fornecem a base para os poéticos trabalhos multimídia de Rina Banerjee. Ela define sua obra como uma exploração de "momentos coloniais específicos que reinventam lugar e identidade como experiências diaspóricas complexas entrelaçadas e às vezes surreais". Banerjee cria conjuntos coloridos de tecidos, itens de moda, objetos coloniais, móveis, taxidermia e materiais orgânicos, provenientes de lojas de sucata de Nova York e reconfigurados em objetos imbuídos de novo significado. Materiais incomuns incluem jacarés taxidermizados, berços de madeira, espinhas de peixe, ovos de avestruz, penas e móveis antigos. Enquanto o hibridismo de suas obras é um reflexo de sua formação cosmopolita, a linguagem visual que ela cria está enraizada na mitologia e nos contos de fadas. Leve-me, leve-me… to the Palace of Love (2003) é uma instalação que foi mostrada no Museu Guimet em Paris em 2011. Articulando um discurso sobre suas origens e a visão ocidental-orientalista do Oriente, compreendia um pavilhão de plástico rosa em forma de o Taj Mahal para evocar a visão da Índia por meio de óculos cor de rosa, característicos da presença colonial britânica na Índia - com um conjunto central de materiais "exóticos".
Dayanita Singh
Criando narrativas curiosas da vida cotidiana através do meio fotográfico, Dayanita Singh dá expressão visual a uma paisagem que justapõe a imaginação do artista ao mundo real. Suas fotografias em preto e branco são apresentadas em uma instalação intitulada Museum, bem como em seu meio favorito: o livro. O papel possui um significado particular para Singh. O artista retrata todos, desde a classe alta até as margens da sociedade, dando uma visão ampla da Índia contemporânea. Mona Ahmed é uma figura recorrente em seu trabalho; desde o primeiro encontro, em 1989, em uma comissão do London Times - um eunuco que vive em um cemitério em Old Delhi, um pária duplo rejeitado por sua família e pela comunidade de eunucos. O retrato de Singh sobre Mona é uma exploração daqueles com identidades fragmentadas e falta de um senso de pertencimento, que é o assunto do livro Melfelf Mona Ahmed. A Casa do Amor de Singh obscurece a linha entre o livro de fotografia e a ficção literária, com imagens acompanhadas de poesia e prosa que narram nove contos. Os 'museus' portáteis, como o File Museum (2013) ou o Museum of Chance (2014), são grandes estruturas de madeira que podem ser dispostas em diferentes configurações, segurando entre 70 a 140 fotografias. Essa 'arquitetura de fotos', como Singh chama, permite que ela exiba, edite e arquive infinitamente imagens.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat geralmente incorpora mais de um meio em uma única obra de arte. A obra de Kallat envolve os ciclos intermináveis da natureza e a fragilidade da condição humana, refletindo as constantes mudanças entre nascimento, morte e renascimento; construção e colapso, derrota e ressurgimento. Ela freqüentemente trabalha com nomes registrados ou registrados oficialmente - de pessoas, objetos ou monumentos que foram perdidos ou desapareceram sem deixar vestígios. Um motivo recorrente em sua prática é o carimbo de borracha, um símbolo de controle e do aparato burocrático - um "estado sem rosto" que obscurece e confirma identidades. Kallat usa carimbos desde 2003, investindo seus trabalhos com ironia. Em Falling Fables, ela usou selos com os endereços de monumentos desaparecidos protegidos pelo Levantamento Arqueológico da Índia, criando formas de ruínas arquitetônicas, chamando a atenção para o estado de colapso e fratura da memória coletiva que está acontecendo na Índia e no mundo hoje. Em 2013, ela criou o Untitled (Cobweb / Crossings), uma teia de aranha na fachada do Museu Bhau Daji Lad, em Mumbai. Sua criação compreendeu uma tonelada de carimbos com os nomes das ruas que cercavam o museu e destacando histórias perdidas. Kallat já usou o motivo da web para se envolver com questões de migração e com quem a controla. Em 'Sem título (mapa / desenho)', um intrincado mapa do mundo feito com fios e conexões elétricas traça os caminhos migratórios frequentemente ocultos dos trabalhadores.
[K] Reena Saini Kallat - Sem título (2008) - Detalhes © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Através da fotografia e instalação escultórica, Hema Upadhyay se envolve com noções de identidade pessoal, pertencimento, deslocamento, nostalgia e gênero, refletindo sobre o estado contemporâneo de Mumbai - uma metrópole com seu multiculturalismo resultante de movimentos migratórios. Um trabalho autobiográfico recorrente inclui fotos de si mesma, como se estivesse procurando seu próprio lugar na cidade, para o qual foi forçada a migrar com a família durante a Partição. Em sua primeira exposição individual, Sweet Sweat Memories (2001), ela apresentou trabalhos que falavam de sentimentos de alienação e perda. A série apresentava fotografias em miniatura de si mesma coladas em pinturas que mostravam perspectivas aéreas e subalternas de Mumbai como uma nova cidade avassaladora.
Sheela Gowda
Incorporando escultura, arte de instalação e fotografia mostrando a Índia urbana e rural, Sheela Gowda cria trabalhos usando materiais do cotidiano, incluindo objetos encontrados e reciclados e materiais como esterco de vaca, kumkum vermelho (açafrão), incenso, cabelo humano, folha de ouro e corantes cerimoniais e materiais domésticos, como fibras de coco, agulhas, linhas e cordões. A prática de Gowda depende fortemente de seu processo, que confunde as fronteiras entre arte e artesanato, e questiona o papel da subjetividade feminina no contexto de religião, nacionalismo e violência que constitui a Índia contemporânea. E Tell Him of My Pain (2001) empregou mais de 100 metros de fios em espiral tingidos de kumkum vermelho, suspensos e envoltos pelo espaço para formar um desenho tridimensional. O trabalho referenciou a cultura das especiarias da Índia e a indústria têxtil - tradicionalmente parte da experiência de vida de uma mulher - para destacar a dor da vida doméstica feminina em uma sociedade patriarcal.
